martes, 21 de marzo de 2017

Sistema RGB de color







     Podemos comprobar el cambio que hay de la foto original a las demás que están retocadas. Según los colores que hayamos utilizado se observa que la imagen se va acercando a los colores cálidos o a los colores fríos. Por ejemplo en la primera imagen con esos colores violaceos o amoratados, esos colores que en la foto original podían destacar como la camiseta, las plantas verdes o la pared del fondo, adaptan esos colores violaceos y se convierte en una foto con una gama de colores fríos. Sin embargo en las otras dos fotos, donde los colores añadidos han sido el verde y el rojo, se ve que esa imagen antes fría ahora parecen mucho más cálidas. Donde los colores más llamativo en la otra imagen se volvían mas fríos, en la imagen del verde las plantas verdes que habían resalta más y la camiseta amarilla parece mezclarse con el fondo, mientras que en la imagen donde está el rojo vemos que el amarillo gana mucha más intensidad y es uno de los colores que más llamaría la atención en esa imagen, aunque también ese verde de las platas no llamarían tanto la atención, pero sería otro de los objetos que captarían su atención por el color de esas puntas que parecen ser amarillas de las flores. 
+

martes, 14 de marzo de 2017

La fotografía social


DOROTHEA LANGE


 La "Gran depresión"



     Dorothea Lange fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense, más conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencia de la Gran Depresión la conviertieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.
     Estudió fotografía en Nueva York como alumna de Clarence H. White e informalmente participó como aprendiz en numerosos de sus estudios. Más tarde se trasladó a San Francisco, en donde abrió un exitoso estudio. Vivió en la Bahía Berkeley por el resto de su vida. Se casó con un notable pintor y tuvo dos hijos.
Más tarde sale de su estudio para irse a la calle a fotografiar, donde sus estudios de desempleados y gente sin hogar llamaron pronto la atención de fotógrafos locales y la llevaron a ser contratada por la administración federal.
     Se divorcia y se casa con un economista agrario que la ayuda en asuntos sociales y económicos, y juntos realizan un documental sobre la pobreza rural y la explotación de los cultivadores y trabajadores inmigrantes. Large trabajó para departamentos oficiales, siempre retratando en sus fotos a pobre y marginados, especialmente campesinos, familias desplazadas e inmigrantes.


SEBASTIAO SELGADO






     Es un fotógrafo sociodocumentado y fotoreportero brasileño. Selgado ha viajado a más de 100 países por sus proyectos fotográficos. La mayor parte de éstos han aparecido en numerosas publicaciones y libros. Ha recibido numerosos premios internacionales, como el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Estudió economía  y obtuvo le doctorado en la Escuela Nacional de Estadística Económica. En 1973, fue cuando decide dedicarse a la fotografía, terreno al que llega relativamente tarde y de modo autodidacta. En 1994 formó su propia agencia Amazonas images en París y representar así su obra. 


KEVIN CARTER





     Kevin Carter fue un reportero gráfico sudafricano. Comenzó su carrera con 23 años cuando había muchas poblaciones en guerra. Este es famoso por una fotografía que realizó diez años más tarde, la cual era la foto de un niño famélico que se encontraba muriendo y un buitre estaba a su acecho. Esta foto tuvo una gran opinión pública pues se dio a entender que esta foto era como una alegoría de lo que sucedía en Sudán. Después de esto pasó de reportero a fotógrafo de la naturaleza. Sufrió dos duros golpes, la presión de la crítica y por otro el asesinato de su amigo. A los 33 años se suicidó. 


MANUEL BARRIOPEDRO





     
     Manuel Pérez Barriopedro es un fotógrafo español, ganador del premio World Press Photo of the Yeard del año 1981. Se dedicó en los años sesenta a ilustrar los cambios de los últimos años del franquismo y la transición. Ha viajado como enviado especial a los cinco continentes, siguiendo a jefes de Estado, y cubriendo grandes acontecimientos de toda índole. Actualmente de encuentra retirado de la vida activa, pero da charlas para difundir el mundo de la fotografía y el fotoperiodismo. 


CRISTINA GARCÍA RODERO






     Fue licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. En 1983 comenzó a impartir clases de fotografía, actividad que realiza hasta 2007. Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal. Ha realizado numerosas exposiciones de su obra, tanto individuales como colectivas en diferentes países. Es una representante de las fotógrafas españolas.


GERVASIO SANCHEZ





     Comenzó a trabajar con solo 11 años y combina su educación con varios empleos. A los 15 años trabaja de camarero para ahorrar lo suficiente como para costearse los estudios y sus primeros viajes. Se licenció en Periodismo por la Universidad Autónoma de Barcelona en 1984. Ha cubierto como reportero gráfico la mayor parte de los conflictos armados de América Latina y la Guerra del Golfo desde 1984 hasta 1992. También ha cubierto diferente conflictos en África y Asia. Dirige desde el 2001 el Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín. 




   

lunes, 6 de marzo de 2017

Color y blanco y negro







   Como podemos observar, estas dos imágenes son las dos la misma la fotografía, solo que una está en los colores originales que tenía ese dibujo, mientras que la otra está en blanco y negro. La primera tiene unos colores muy vivos y llamativos, haciendo así que al ver la imagen o simplemente el dibujo te pueda transmitir una ligera sensación de alegría o incluso festejo, pues hay caras que parecen máscaras. Al pasar esa misma imagen a blanco y negro, le hemos como quitado lo que más destacaba de la primera imagen que eran esos colores tan llamativos y en cierto modo, también lo que te podía llegar a transmitir esos colores. En la segunda, esas máscaras que te podían llegar a transmitir una sensación de festejo o alegría, se han convertido en unas formas que parecen tener un aspecto fantasmagórico y que incluso podría llegar a transmitir una sensación de miedo o intranquilidad al ver la foto, pues ya no se ve como algo colorido y bonito, sino como algo oscuro y un tanto siniestro. Es más, se podría decir que ha adquirido como un tono un tanto dramático. 
   Con solo haberle quitado los colores a una imagen y pasarla a blanco y negro, hemos podido apreciar  que ha perdido su simbología o incluso podríamos añadir, que las letras en las que se leía antes en la primera foto en verde y se distinguía claramente del fondo, en la segunda se puede leer pero se mezcla un poco con el fondo, pues ya no llama tanto la atención como la llamaba antes ese color verde. 

lunes, 6 de febrero de 2017

La fotografía y el color


ERNST HASS




















ANDY WARHOL























HOWARD SCHATZ



























ANNIE LEIBOVITZ





















OUKA LEELE




























FRANCO FONTANA



















LUIGI GHIRRI





















Como observamos, cada fotógrafo tiene un estilo propio. Por ejemplo algunos utilizan colores más cálidos, mientras que otros los utilizan más fríos, otros utilizan modelos y otros se dedican a retratar paisajes y objetos... Ouka Leele por ejemplo, utiliza una gama de colores cálidos y muy llamativos, mientras que Luigi Ghirri intenta que sus colores sean más fríos y naturales, como los de paisajes y objetos. Ernst Hass, da un poco más de color a sus obras, pero por lo que más destaca es por el movimiento que en ellas se representa y porque sus fotografías intentan buscar nuevas sensaciones. No lo podemos comparar con las fotos de Ouka Leele, que son colores muy vivos para que todo lo que esté en la imagen resalte más, mientras que la de Ernst no necesita tantos colores llamativos, pues si, intenta meter colores cálidos aunque la mayoría son fríos. Podemos también observar las obras de Andy Warhol, el cual utiliza mucho el autorretrato, pero dentro de sus obras de color, vemos que él utiliza el arte pop, que tiene unos colores muy cálidos. Con Andy podríamos compararlo con Franco Fontana, que el en vez de modelos uttiliza paisajes a los cuales les mete mucho color. También a Fontana lo podríamos mirar como el opuesto de Luigi, pues aunque también recurre a los paisajes, su utilización del color hace que este tenga un toque melancólico. Hablando de esto, podemos mencionar a Howard Schatz y a Annie Leibovitz los cuales el color toma una gran importancia, dramatizando las imágenes de estos.
En todos estos fotógrafos observamos que todos utilizan un nivel alto de saturación, exceptuando a Andy Warhol y Luigi Ghirri.

lunes, 23 de enero de 2017

Fotógrafos en blanco y negro



MARTIN CHAMBI

Martín Chambi Jiménez fue un fotógrafo indígena nacido en Perú. Está considerado como pionero de la fotografía de retrato. Él retrató profundamente a la población peruana, tanto indígenas como a la población en general. Está considerado como el fotógrafo que inmortalizó el Perú del siglo pasado.

Martín con tan solo catorce años tiene que emigrar por la pobreza y la muerte del cabeza de la familia, a buscar trabajo en las multinacionales que explotan las minas de oro en Carabaya. Este toma su primer contacto con la fotografía, el cual este hace prender en él la chispa que le decide a dedicarse a la fotografía. Por eso emigra hacia Arequipa, donde la fotografía está muy desarrollada. Su contexto social y cultural fue óptimo, pues fue cuando se empezó a incrementar el interés turístico e histórico, pues fue en 1911 cuando se descubrió la ciudadela de Machu Picchu, el cual más tarde sería fotografiado por este.

Fotografía de Martín Chambi




















































































IRVING PENN

Fue un fotógrafo de modas y de retratos. Estudió diseño en la escuela de Artes Industriales del museo de Filadelfia y luego viajó a México donde se dedicó a la pintura durante un año. Sus dibujos fueron publicados en Harper's Bazaar. Su primera labor en la revista Vogue fue como ayudante del artista Alexander Liberman. En 1943, comenzó a trabajar como diseñador de portadas. Después de la Segunda Guerra Mundial, adquirió fama por sus elegantes y glamurosos retratos femeninos en Vogue. En sus fotografías, el sujeto salía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época. En 1950 se casó con la modelo Lisa Fonssagrives  y tres años después fundó su estudio fotogŕafico. Ganó varios premios y escribió diversos libros.

Fotografía de Irving Penn








































































































LISETTE MODEL

Fue una reconocida fotógrafa austriaca que en la mitad de su vida se nacionalizó estadounidense. Lisette estudió música y canto. Después de la muerte de su padre, la familia se trasladó a París, donde siguió estudiando canto. Más tarde dejó la música para dedicarse a las artes visuales y también tomó clases de pintura. En esa misma época comenzó a estudiar los fundamentos de la fotografía en blanco y negro de mano de su propia hermana Olga Seybert, que ya era fotógrafa profesional.

Ella y su hermana viajaron a Niza a visitar a su madre que vivía allí. Lisette aprovechó la ocasión y para tomar fotografías irónicas de la gente de la alta sociedad donde se captaba su vanidad, soledad e inseguridad. Estas fotografías fueron publicadas en la revista Regards, y estas imágenes se convertirían en unas de las más conocidas e importantes de su carrera.

Lisette emigró con su marido a Estados Unidos, que en aquel momento era el centro de la fotografía mundial. Inicialmente Model demostró predilección por la temática en torno a hoteles, bares y locales nocturnos de la costa este de Nueva York, pero también realizó trabajos más formales y retrató a importantes personalidades.
Lisette se hizo miembro de la Nueva York Photo League, que fue la institución que realizó la primera exposición de su obra.

Fotografía de Lisette Model













































































CECIL BEATON

Fue un fotógrafo y modista británico, actividades que compaginó con la dirección artística de producciones cinematográficas y teatrales, recompensada con tres premios Óscar y con cuatro premios Tony. Su talento artístico fue reconocido rápidamente.

Fue su niñera quien comenzó a enseñarle los rudimentos de la fotografía, la cual él ponía en práctica con su madre y su hermana que le posaban. Más tarde a pesar de su nulo interés por el mundo académico, estudió historia, arte y arquitectura. Beaton continuó con la fotografía, y a través de sus compañeros universitarios pudo publicar se primer retrato en la revista Vogue. 
Después se trasladó a Nueva York donde poco a poco se construyó una reputación allí. 

Este se dio a conocer por su primera exposición en Londres, y a continuación tras crear su propio estudio de fotografía que estaba dedicado a la moda y a los retratos. También trabajó para la edición americana de Vogue, que le contrató inicialmente como ilustrador antes de convertirse en fotógrafo. 
Más tarde firmó un contrato con la versión británica de la revista Vogue, donde hizo su primera portada. Comenzó su carrera fotografiando a sus amigos ricos y famosos. Realizó numerosos retratos de celebridades en Hollywood y fue retratista oficial de la familia real británica. 
Después de la guerra, Beaton empezó a trabajar en Brodway. 

Fotografía de Cecil Beaton



























































ANSEL ADAMS

Fue un fotógrafo estadounidense,nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas. Se inició en la fotografía con una cámara que le dieron sus padres.

Por su situación económica, Adams comenzó a hacer fotografía comercial. No era algo que le encantase ya que pensaba que era algo que no lo dejaba explotar su creatividad, pero le daba el suficiente dinero para vivir. Este trabajo no sólo sirvió para proporcionarle dinero, sino que hizo de sus fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas reconocidas en todas partes del mundo.

Adams desarrolló el famoso "sistema de zonas", un método de medición y revelado que se utilizaba para dividir la graduación de la luz en una escena de 11 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión.
Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de Angloamérica, muchas de ellas centradas en el parque natural Yosemite. Ansel Adams luchó por defender la naturaleza y sus animales, siendo los paisajes el tema principal de sus fotografías. Precisamente por esto fue muy criticado, ya que raramente se podía ver a una persona en una fotografía suya.

Fotografía de Ansel Adams